La fotografía siempre ha sido
valorada en cuanto a su capacidad para captar imágenes y su fidelidad a la
realidad. En ningún momento se apreció por
el valor artístico que podría contener.
El exceso de cámaras fotográficas
y el uso masivo de éstas, hace que muchos fotógrafos, cansados de la clásica
composición, busquen nuevas técnicas a la hora de captar imágenes, buscando
así, el toque artístico, imitando al dibujo y a la pintura.
Fue con la llegada de la Gran
Guerra, la cual causó grandes trastornos en la sociedad, cuando se reflejaron
en las tendencias artísticas de la época nuevas ideas y movimientos artísticos.
Se comienza a practicar el fotomontaje mezclando fotografía y fragmentos de
periódicos.
Se utiliza el fotomontaje como
una crítica a la sociedad y también como un instrumento para llegar al pueblo.
Fotomontaje
de John Heartfield
La fotografía se lleva incluso a
exposiciones, alcanzando, por fin, una gran importancia en el mundo del arte.
Aunque muchos artistas seguían
viendo a la fotografía como un simple instrumento, generando una gran discusión
entre fotógrafos y artistas tradicionales.
Moholy-Nagy dejó como punto y
final estas discusiones, situando a la fotografía en su debido lugar.
Fotograma de Moholy-Nagy, 1922
CONSTRUCTIVISMO
A la par que la fotografía iba
aumentando su valor en el mundo del arte, surgió en Rusia un movimiento
denominado constructivismo, basado en el cubismo y estéticamente relacionado
con la ingeniería y la arquitectura. Unos de sus fundadores fue Alexander
Rodchenko.
Fotomontaje 1, Rodchenko.
Fotomontaje 2, Rodchenko
Otro de los grandes impulsores
del constructivismo fue Gustav Klusis, nació en Lituania pero trabajó
principalmente en Rusia. Fue pionero del fotomontaje en la propaganda
soviética.
Viva la URSS, modelo de la hermandad entre los
obreros
de todas las nacionalidades del mundo! Gustav
Klusis.
Cartel propagandístico, Gustav
Klusis.
BAUHAUS
Término utilizado para denominar
la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919. Sus propuestas y declaraciones participaban
en la idea de una necesidad común, integrar todas las artes con la tecnología moderna
y unirlas, con el objetivo de obtener un diseño disponible para todos los
niveles socioeconómicos.
Fue fundada por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y clausurada a manos del partido
nazi en el año 1933.
Walter Gropius.
Escuela de Bauhaus 1919.
Podemos
resumir los fundamentos principales de la escuela en los siguientes:
Ruptura con lo tradicional y con los estilos preestablecidos
Predominio de la función sobre la forma
Interrelación entre la arquitectura y el diseño y, por otro lado, las ciencias aplicadas
Adecuación de las vivienda a los recursos y necesidades Una efectiva planificación urbana
De esta manera, la ornamentación recurrente de la época, se convirtió en
líneas limpias y claras, junto con la utilización de figuras geométricas
sencillas, dando resultados, que parecían estar industrializados, cuando en
realidad estaban hechos a mano.
Se empezó así, a hablar de diseños industriales como algo positivo. Se
creaban productos funcionales, pero que a su vez, presentaban un diseño
atractivo para el mercado. De bajos costes en producción, alcanzados al utilizar
materiales comunes y baratos (metal, vidrio, etc.)
Logotipo Bauhaus.
Líneas y figuras simples.
Sello de
correos conmemorativo de la Bauhaus con obra de Moholy-Nagy
No fue
hasta 1929 cuando la fotografía en la escuela se convierte en asignatura
oficial. Surge debido a una necesidad compartida entre profesores y estudiantes
de poder capturar en sus bolsillos las diferentes vivencias que les ofrecen las
circunstancias en sus vidas, por ello, que se considere como un nacimiento
espontáneo, no planeado por profesores.
La
fotografía, pasó así, de ser un instrumento, como podían ser pigmentos para una
obra pictórica, a convertirse en una nueva forma de lenguaje, se incluye como
una nueva forma de expresarse, hablamos de la fotografía como arte.
MOHOLY- NAGY
Moholy
Nagy, Herbert Bayer y Josef Albers se encontraron entre los primeros fotógrafos aficionados de la
Bauhaus.
Moholy
Nagy se convirtió en el defensor de la integración de la fotografía en el plan
de estudios y la introdujo en sus clases.
No estaba
interesado en la representación de los objetos cotidianos, sino en la
posibilidad del lenguaje de la cámara de enriquecer la percepción humana. Sus fotografías intentaban romper con la
visión más obvia y ponían a prueba el medio sin profundizar en la técnica,
siempre con un fin experimental, de transgresión y con un fuerte carácter
estético.
Fue
considerado como uno de los más innovadores y pionero en algunos aspectos de la
fotografía de los años veinte, Moholy-Nagy no se consideraba a sí mismo
fotógrafo sino pintor. Inició su formación estudiando derecho, pero su carrera
de jurista se vio interrumpida por el estallido de la Primera Guerra Mundial,
enrolándose en el ejército austro-húngaro. Después de la guerra, se dedicó por completo al arte, abandonando
los estudios de derecho.
Hacía
1920 se instaló en Berlín y tomó contacto con los dadaístas y constructivistas
del círculo “Sturm”. Allí conoció también a Lucia Schulz con la que contrajo
matrimonio y realizó interesantes experimentos fotográficos, especialmente sus
“fotogramas”, cuyos primeros ejemplares son de 1922.
El
fotograma era la expresión suprema de un estado mental. Estos eran compatibles
con la Bauhaus y, concretamente con el pensamiento de Moholy, sobre “un nuevo
contrapunto espacial”, un concepto de la composición del espacio que tendía a
las superposiciones.
En 1923,
Moholy-Nagy ingresó en la Bauhaus de Weimar, haciéndose cargo del taller de
trabajos en metal para después pasar a dirigir el curso preparatorio, cuando su
compañero, Johannes Itten, decidió abandonar el movimiento. De este modo, el
húngaro pasó a ser el representante por excelencia de la fotografía Bauhaus,
publicando en 1925 Pintura, Fotografía, Film, una de las obras teóricas
más importantes del movimiento ya que fue el primer texto sobre fotografía que
publicó la Bauhaus. En esta obra, Moholy-Nagy siente la necesidad de esclarecer
las relaciones entre pintura y fotografía y establecer los límites entre ambas
formas artísticas: si la pintura es para él un medio para dar forma al color,
la fotografía es un instrumento para la investigación y la exposición de la
luz. Ahora bien, la fotografía no es sólo un medio sino una nueva materia
artística.
La cámara
fotográfica se convertía de esta manera en el medio más importante de
producción o plasmación de este tipo de imágenes.
Se
observa cómo Moholy, además de una interesante obra artística, dejó una
importante obra teórica que reflejó su constante preocupación para lograr que
se reconociera a la fotografía la condición de auténtico medio de expresión
artístico.
Laszlo
Moholy Nagy the-dream-of-a-girls-boarding
En 1925
publico “Pintura, Fotografía, Film”, que constituye el octavo volumen de los “Libros
de la Bauhaus”, fue el primer texto orientador publicado por la Bauhaus sobre
el tema fotografía. En él se proponía esclarecer las relaciones entre la
pintura y la fotografía, tomando partido por una franca demarcación entre las
dos disciplinas. El artista clasificaba a la pintura como un medio para dar
forma al color, mientras que veía en la fotografía un instrumento para la
investigación y la exposición del fenómeno luz. Para él, no se trataba de un
medio perfecto para intensificar la visión humana – como se afirmaba
frecuentemente durante los años veinte -, sino de una nueva materia artística.
Tras el
traslado de la Bauhaus de Weimar a Dessau, en 1926, Moholy enseñó allí durante
dos años, momento en que se trasladó a Berlín. En 1929 formó parte del montaje
de la célebre exposición del Deutsche Werkbund, Film y fotografía (FIFO)
en Stuttgart, donde se presentaba con una colección de 97 fotografías, entre
fotoplásticas y fotogramas. Su objetivo era educar la sensibilidad del hombre
con la finalidad de permitirle disfrutar activamente del mundo moderno
Investigó
las relaciones entre la luz y el movimiento en su rotatorio Modulador espacio–luz
y en las series de Moduladores del espacio, que constituyen los primeros
ejemplos de escultura cinética.
Afirmaba
que en cada hombre hay un potencial de expresión, susceptible de manifestarse a
través de los diferentes medios artísticos. Y creía que esto se debía enseñar
en la Escuela.
Tuvo un
taller de diseño gráfico en Berlín hasta 1934. Emigró a Londres donde se dedicó
al diseño gráfico.
Se
trasladó a Estados Unidos y fundó en Chicago la Nueva Bauhaus (1937), que se
convertiría posteriormente en una escuela de diseño integrada en el Instituto
de Tecnología de Illinois. La formación que impartía se basaba en sus conceptos
de la composición arquitectónica y en el uso de nuevos materiales; estos
conceptos se plasman en Doble curva, una escultura de forma liberada en plexiglás
doblado.
Sus
teorías artísticas están recogidas en dos libros: “La nueva visión” y “Visión
en Movimiento”. También trabajó en otros géneros como la tipografía, la
fotografía y el cine.
Las
fotografías de Moholy-Nagy se caracterizan por lo extraño de sus puntos de
vista, siempre con intención connotadora: los Balcones de la Bauhaus
muestran un profundo contrapicado donde la figura humana parece abalanzarse
sobre el espectador. Las texturas, sin embargo, cobran fuerza en sus
fotomontajes, una profunda reflexión sobre la época que le tocó vivir: el
espacio en perspectiva desaparece, recreando uno infinito ante el ojo del
observador. Espacios limpios, donde las figuras emergen recortadas en un
entorno inexistente creado directamente con luz.
Fotograma
Inventado al mismo tiempo que la fotografía, a
principios del siglo XIX, el fotograma sólo será utilizado por los artistas por
sus propias cualidades a principios de la década de los veinte, en especial por
Christian Schad y Man Ray. En esta época, dedicado principalmente a la pintura,
Moholy-Nagy comprende rápidamente la riqueza de este material. Realiza sus
primeros fotogramas en Berlín, en 1922. Desde entonces, no dejará de
producirlos hasta 1946. Actualmente se cuentan 430 piezas.
Se
distinguen tres grandes conjuntos, correspondientes a los principales lugares
de producción de sus obras: Berlín (1922 y 1923-1928), período de la Bauhaus
(1923-1928), exilio en Londres (1935-1937) y en Estados Unidos (1937-1946).
Técnicamente, Moholy-Nagy recurre a dos métodos de producción:
- El primero consiste en situar los objetos
directamente sobre un papel fotográfico especial, exponer el conjunto a la
luz, y tras un lapso de tiempo, los contornos y las sombras del objeto
dejan sobre el soporte de las superficies claras un fondo oscuro.
- El
segundo se desarrolla en una cámara oscura, un laboratorio, donde la
evolución de las formas ya no es visible en tiempo real, y el resultado
sólo podrá verse a partir del revelado y la fijación de la copia.
Moholy-Nagy
intentará captar la luz bajo los mejores ángulos e intensidades para crear un
material plástico por completo. Para ello, abandonará los objetos opacos en
favor de objetos transparentes, traslúcidos o diáfanos como el cristal, el
vidrio, ciertos líquidos, velos, tamices, a menudo superpuestos para acentuar
los efectos de contraste, grano y textura. Liberada de la obra, pero también es
el efecto producido por dicha obra.
Otras
obras de Moholy Nagy:
Fotogramas:
Fotocollage:
Fotografía:
RÓDCHENKO
Aleksandr
Ródchenko, nació en San Petersburgo el 5 de
diciembre de 1891. Además de fotógrafo, fue escultor, pintor y diseñador
gráfico, fue también uno de los fundadores del constructivismo ruso. Ródchenko
era uno de los artistas más polifacéticos de la Rusia de los años veinte y
treinta que se hizo famoso gracias a los debates artísticos, de donde surge el
Movimiento Constructivista, en el que el artista se convierte en un ingeniero
visual.
Procedente de una familia
humilde, realizó sus estudios en la Escuela de Arte de Kazán y en el Instituto
Stróganov en Moscú.
EL COMPONENTE SOCIAL
Ródchenko,
como muchos miembros del avant-garde (término con el que
se denominaba en el terreno artístico
a las llamadas vanguardias históricas,
que eran una serie de movimientos de principios del siglo XX que buscaban
innovación en la producción artística), se alineó con los bolcheviques (que eran un grupo
político radicalizado dentro del Partido Obrero
Socialdemócrata de Rusia, dirigido
por Lenin)
La obra de Rodchenko estuvo al servicio de su patria y muy marcada por la ideología
bolchevique. Sus imágenes tienen como protagonista la tecnología, la ciudad,
aviones, dirigibles y otras máquinas modernas de la época.
También tuvo fases en las que se dedicó a
fotografiar eventos deportivos o coreografías propias del régimen. En cualquier
caso, su fotografía tiene un denominador común, una sociedad ordenada.
LA LÍNEA
Como
consecuencia de esa sociedad ordenada, la línea juega un papel primordial en su obra. La línea y el ritmo de sus fotografías acentúan la
sensación de orden de sus imágenes y ayudan a transmitir el mensaje social que
busca basado en una nueva forma de presentar y entender la realidad. A menudo
acompaña la línea con diferentes puntos
de vista que aportan dinamismo a la
imagen.
La gran transformación
que introdujo el artista fue algo tan sencillo como cambiar la cámara de
posición. Ródchenko fotografiaba de
arriba a abajo logrando ángulos, contrapicados y perspectivas que hacían
difícil reconocer de un primer vistazo qué había fotografiado.
Él se
propuso liberar a la fotografía de todas las convenciones y puntos de vista
comunes en la época, lo que le convirtió en uno de los más importantes pioneros
del constructivismo. El constructivismo fue un movimiento artístico que surgió
en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de
Octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el
arte “puro" del arte como instrumento para propósitos sociales.
Por encima
de todo, Rodchenko muestra cómo su obra
ayudó a formar el modernismo fotográfico que imperó en Europa a primeros del
siglo XX.
FOTOMONTAJE:
Ródchenko exploró el
fotomontaje para el diseño
de carteles y cubiertas de libros. Lo usó como una alternativa a la
pintura y que se beneficiaba
de su reproducción automática lo que le hacía tener una audiencia masiva.
El
fotomontaje es el camino por el que Rodchenko llegó a la fotografía. La
desarrolló como un sistema de
comunicación visual. En 1922 realizó una serie de collages satíricos uniendo
titulares de cultura sacados de periódicos y semanarios que combinados
producían un efecto absurdo y paradójico. A mediados de los años 30, el
fotomontaje era ya una técnica muy popular. Rodchenko utilizaba los
fotomontajes para narrar conceptos complejos.
Es el caso
de Sobre eso (1930), ilustración del
poema homónimo de Mayakovski. Se trata de una de las series de fotomontajes más
representativas del artista. Las
ilustraciones de Rodchenko fueron también una oportunidad para demostrar el
amor que éste sentía por la tecnología.
FOTOGRAFÍA:
La fotografía de Ródchenko también
fue célebre. Dedujo que la fotografía correspondía a la actividad del ojo
humano. De esta forma usó la cámara fotográfica para crear sensaciones
desconcertantes, a la vez que usaba las fotografías con un objetivo de
compromiso social
Probablemente, la
característica más personal de su obra. Los planos cenitales y los planos nadir (que eran totalmente opuestos al
Pictorialismo e impactaban
al espectador)
de sus fotografías muestran
las imágenes desde un nuevo punto de vista poco habitual para el ojo del
espectador. El inusual punto de toma
de la imagen convierte una situación cotidiana en una imagen diferente e
interesante
Escalera de socorro
(1925)
Obra de Rodchenko en la
que enfatizaba la perspectiva y la profundidad utilizando el ángulo nadir
(plano tomado desde abajo) y en otros casos el ángulo cenital (plano tomado
desde arriba (técnica del escorzo). Así, la escalera de socorro por la que sube
el propio artista, bien podría ser el raíl de un tren visto desde arriba.
Explicación de los
PLANOS utilizados por Rodchenko
Cenital. La cámara se coloca sobre el objeto o el sujeto a fotografiar
transmitiendo la sensación de que éste está en una posición débil, de
inferioridad con respecto a la persona que ve la foto.
Nadir. La cámara apunta en línea recta hacia arriba. Generalmente con este tipo de plano se
consiguen imágenes en las que el sujeto fotografiado se muestra como alguien
superior, y poderoso. Fue usado en la propaganda de corte fascista.
- Retratos. El entorno de
Rodchenko.
Su manera
de realizar retratos consistía en “entretener” al retratado charlando y dando
vueltas a su alrededor. En el momento más inesperado, apretaba el botón, de
manera que no les daba opción a poner su pose favorita. El resultado eran
fotografías verdaderas.
Los
retratos de Rodchenko muestran su deseo de relatar los cambios sociales y
políticos que se iban forjando en la sociedad y en la política del momento.
En movimiento
Su interés
por aquél entonces eran los deportes y los desfiles en la Plaza Roja de Moscú.
De esa época data Salto (1936), donde
Rodchenko se centra en destacar no tanto la altura desde la que se produce el
salto de trampolín sino el hecho de ver a un hombre “colgado” en el aire. En esos años el deporte no era sólo un símbolo
de fortaleza sino de liberación social y de patriotismo. Otra de sus obras: Pirámide (1936).
Ciudad y tecnología
Calle Miasnitzkaïa, actual calle Kirov (1928), refleja el avance de esa
nueva sociedad y es un ejemplo perfecto de varias señas de identidad del
artista: la diagonal, el ángulo cenital, el movimiento y el concepto de ciudad
y tecnología.
Su amor sin descanso por el orden y la pose hace que nada en
sus fotografías esté fuera de lugar, que nada sea arbitrario. De una fachada
consigue una idea estructurada, de un cuerpo obtiene un mecanismo amortiguador,
de una multitud o una marcha consigue un sistema modular organizado. Por eso
Rodchenko siempre huía de lo caótico.
Infancia
Para
Rodchenko, la infancia y la adolescencia tenían una importancia determinante:
consideraba que cualquier camino creativo es la suma de las impresiones
recibidas en esas dos épocas de la vida.
Esta reflexión de Rodchenko encontraba acomodo en la visión soviética de
la infancia que era racionalista, antiburguesa y más favorable al niño que al
adulto.
El modelo
de niño preferido por el gobierno soviético era alguien con conciencia
política, lo que denotaba cierta impaciencia porque la transición de la
infancia a la adolescencia fuera rápida.
En los retratos de pioneros realizados por Rodchenko, las tomas desde
abajo confieren a los rostros un tamaño monumental. Como su obra pionero
trompetista (1930) también captó el
lirismo de la infancia en imágenes de niños jugando y sonrientes, como es el
caso de la fotografía Risas de niños (hacia 1930)
GUSTAV
KLUCIS
Gustav Klucis nació en Lituania en 1985. Fue pintor, escultor, artista gráfico, diseñador y
profesor. Pionero del fotomontaje en la propaganda soviética junto con
Rodchenko. Trabajó principalmente en Rusia, donde fue un importante exponente
del Constructivismo.
Klucis
comenzó su educación artística en Riga en 1912, en la escuela de Arte. Hizo el
servicio militar en 1915, donde aparecen sus primeros bocetos, representando a
soldados, y en los que se aprecia su estilo cubista. Una vez graduado ejerció
como profesor, hasta que finalmente se dedicó al fotomontaje político dedicado
a la fomentación del culto de Stalin.
El constructivismo
fue un movimiento artístico y
arquitectónico que surgió en
Rusia en
1914, donde Gustav fue una de los
representantes. Así como estuvieron envueltos en trabajos de diseños
industriales, los constructivistas trabajaron en festivales públicos y diseños
de carteles para la calle a favor del gobierno de la revolución bolchevique.
EL ESTILO
DE KLUTSIS
Gustav
apuesta por un arte funcional aplicado a la vida y a la construcción social.
Caracterizado por el estilo Constructivista,
Klucis eligió las formas simples, con poca variación del color y la tipografía en negrita, además de la
búsqueda de un diseño que sea entendido fácilmente.
Klucis
había estudiado la pintura abstracta y había trabajado en el Estilo
Suprematista, sin seguir los estilos tradicionales de la pintura y sin
trasmitir mensajes sociales, pero después de la revolución se inclinó al
Constructivismo, detrás del estado comunista ruso, como muchos otros artistas
rusos.
Buscaban
una estética que tuviera lugar en un mundo formado por nuevas industrias,
tecnologías, y formas sociales, y donde los medios de comunicación lideraban.
Realizaba, mayoritariamente, composiciones
dinámicas, distorsiones de escala y puntos de vista espaciales, enfocados y
perspectivas que chocan., lo que hace que sus obras sean permanentemente
modernas.
Fotomontaje de Gustav Klutsis.
